Sergio Mora el pintor de TruckArtProject. Fotos y vídeo

Redacción.- Mágico, irónico e inconfundible: tal es la obra de arte de Sergio Mora, un pintor e ilustrador de Barcelona y el máximo representante del surrealismo pop español.

Sería mucho más corto y fácil hacer una lista de todas las galerías donde no ha expuesto, o de las editoriales donde aún no ha publicado, o de las revistas con las que aún no ha colaborado, que hacer una con todos Su intensa, variada, rica y consistente actividad artística. Magicomora es un modelo superior de dibujo por sus propios méritos y esfuerzos.

Detrás de la imagen simpática y mágica de su obra de arte se encuentra un pintor en mayúsculas que aún no se ha descubierto con todo su poder, es capaz de transmitir un universo de energía pictórica, sin tener que estar vinculado a una imagen figurativa o cualquier corriente, él brilla con su propia personalidad.

Ganó el Latin Grammy al mejor diseño en 2016 por el álbum "The Poet Halley" de Love of Lesbian (Warner). Recientemente diseñó los murales de azulejos que cubren los techos y pisos del restaurante Bazaar Mar por el chef José Andrés (Miami) que fue diseñado por Philippe Starck. Muy pronto se inaugurará un segundo restaurante en Nueva York, en el que también ha colaborado con Starck y José Andrés.

¿Cómo definirías el proyecto que emprendiste para TruckArtProject?

He estado investigando durante algún tiempo con el lenguaje de las baldosas cerámicas en los murales, pero en su lugar me llevaron a las pinturas. Me enganché con este lenguaje después de una colaboración que tuve con Philippe Starck, en la que diseñé algunos murales para algunos de los restaurantes del chef José Andrés. Después de hacer esto, continué desarrollándolo en otros contextos. La idea es básicamente conjugar y armonizar lenguajes no relacionados de una manera sutil y elegante. Me siento muy cómodo con la idea de combinar tradición y modernidad.

En su caso, ¿cómo funcionan juntos los dos lados del camión?

Uno de los lados es más narrativo y complejo, y el otro más minimalista y sonoro. Por un lado, podemos ver un paisaje en el que ocurre una típica escena de ciencia ficción de los cómics de los años 50, una dama es atacada por una bestia o monstruo y el héroe está a punto de salvarla. Aquí conjugo tanto la iconografía de Pulp como los dibujos animados, con la sensación estética que dan los murales tradicionales de azul cobalto y los grabados antiguos. En el otro lado, dejé un detalle de la niña y un estampado tropical que bien podría decorar un jarrón o un plato.

¿Cuáles son los desafíos del proyecto para ti?

Sobre todo, el formato. No soy un artista de grafitti, generalmente trabajo en mi estudio y no tengo la costumbre de salir a pintar la calle. Pero me encanta la idea. Durante los últimos meses, he estado trabajando con formatos más grandes que antes y realmente quiero trabajar en este tipo de proyectos a gran escala.

¿Cómo encaja este proyecto en su trayectoria y su discurso?

Me gusta cambiar los contextos, y siempre hacer cosas nuevas y enfrentar nuevos desafíos; Lo encuentro muy motivador. Para mí, el discurso de un artista es su viaje, su carrera y cómo evoluciona su trabajo, se actualiza y se mantiene vivo. Este proyecto viene a mí caído del cielo porque tenía ganas de probar este idioma en murales de gran formato que no son mosaicos.

Algunos artistas admiten que llegaron con una idea preexistente que tuvieron que modificar, o que creció en otras direcciones cuando se enfrentaron a un lienzo como este. ¿Era ese el caso para ti?

Normalmente trabajo mucho en la idea y el dibujo antes de comenzar a pintar. Principalmente porque cuando comienzo a pintar me gusta centrarme en la plasticidad, la pincelada, la textura, etc. Es por eso que tiendo a ser fiel al diseño y la composición original. Lo que más me interesa es dar poder pictórico a la ejecución, a pesar de que siempre hay que tomar algunas decisiones de última hora.

¿Cómo se acercó a la recepción de una obra como esta, en la que el espectador la encuentra en lugar de buscarla y que no "circula" a través de los canales de arte habituales?

Me encanta la idea de que es la obra de arte que encuentra al espectador por sorpresa y por casualidad en los lugares más inesperados.

Me parece interesante que lo primero que percibimos es el sentimiento de algo tradicional y familiar para nosotros, pero si lo miras, vemos que la iconografía utilizada no es lo que solemos ver en los mosaicos tradicionales, sino un estilo surrealista y poético. con un toque de humor, en un ambiente retrofuturista, tropical, cósmico y mágico.

¿Qué pasa con la naturaleza fugaz con la que se recibe?

Muchas veces el impacto es mayor cuando no sabes muy bien lo que has visto, porque lo que recibes es más como una sensación abstracta. Por otro lado, me gusta el impacto que produce una primera sensación de fragilidad y delicadeza a partir de los dibujos realizados en porcelana, pero esta vez pintados con algo tan sonoro como un trailer.

¿Cómo te acercaste a la escala? ¿Estabas acostumbrado?

He realizado trabajos en gran formato, aunque no es frecuente para mí, y por lo tanto no estoy acostumbrado ... Al menos hasta ahora. Pero me encanta y estoy muy interesado en trabajar en gran formato, porque disfruto tanto el proceso como el resultado.

¿Qué le ofrece este tipo de proyecto y qué cree que aporta al proyecto?

Me abre nuevas posibilidades. Puedo traer mi idioma y mi universo.

¿Por qué es interesante un proyecto como TruckArtProject?

Es una muy buena idea. Es un placer participar en este proyecto.

Texto, fotos y vídeo: Truck Art Project